Aquí os dejo el vídeo presentación de la productora.

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Si queréis verlo a mas calidad os dejo los diferentes enlaces:
Shrek 720p | Sherk 1080p | Sherk iPhone
Y si os gusta mucho aquí tenéis la página oficial con toda la información extra que queráis.

Desde luego que no me viene a la cabeza un director mejor para ambientar esta película con ese tono tan difuso entre la fantasía y la realidad que poseía el libro y que sólo Tim sabe dar a sus films. Por ese motivo y por lo que podemos ver en el trailer hacen de este estreno para Marzo de 2010 una de las películas más esperadas. Como vosotros mismos podréis apreciar cuenta con unos escenarios maravillosos y un contraste de luz y viveza fantásticos mezclados con la oscuridad e intriga que hemos podido ver en otras producciones de Tim Burton.

También hay que decir que cuenta con un gran plantel de actores a su servicio en este rodaje, empezando por el propio Johnny Depp (el Pirata del Caribe mas deseado) o Anne Hathaway (pasado Disney y futuro Oscar) entre muchos otros.

Dejemos de dar vueltas y vallamos a lo bueno. Os dejo el enlace para quien quiera verlo en alta resolución haciendo clic aquí y para los mas curiosos que quieran escuchar las voces en castellano os dejo el enlace del antiguo trailer presentado en España.

Los directores/guionistas Charley y Vlas Parlapanides (War of the Gods) se encargarán de adaptar los 3 primeros de los 13 capítulos que componen la serie, sobre un joven que encuentra un “cuaderno de la muerte” gracias al cual puede matar simplemente escribiendo el nombre de la victima en el cuaderno.
Pero me pregunto; ¿a qué se refiere con 13 capítulos?
Puede ser que en la edición americana del comic lo hayan dividido en 13, pero el caso es que en la versión japonesa, la serie cuenta con 108 capítulos.

Death Note fue clasificada por Yahoo como la más buscada, así como la serie más vendida de Japón en el 2006. Y cuando el río suena, agua lleva. Es una serie bastante corta (12 tomos de manga y 37 episodios de anime) comparada con otras como Bola de Dragón, One Piece y Bleach entre otras, pero os aseguro que tiene una trama extremadamente absorbente.

Esperemos que no se repita la metedura de pata de Dragon Ball Evolution, y que Tsugumi Oba (el autor), al igual que Naoki Urasawa con la adaptación de Monster asesore a los guionistas durante el rodaje.

Capítulo 1:

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Al comienzo de la historia, Kane y sus sanguinarios hombres se están abriendo paso salvajemente entre multitud de defensores de una exótica ciudad del norte de África. Pero, cuando Kane decide asaltar un misterioso castillo cercano para saquear las riquezas que se rumorea que contiene, su misión da un fatídico giro.

Uno a uno, los hombres de Kane van muriendo a manos de demoníacas criaturas, hasta que no queda más que él para hacer frente a la muerte encarnada, un demonio llamado Guadaña, enviado por el mismísimo Diablo desde las profundidades del Infierno para reclamar su alma irremediablemente corrupta. A pesar de que Kane logra en última instancia escapar, sabe que ahora deberá redimirse, renunciar a la violencia y dedicarse por completo a una vida de paz y pureza.
Su recién descubierta espiritualidad, no obstante, tendrá que superar pronto la prueba definitiva cuando inicie sus viajes por una Inglaterra asolada por diabólicos saqueadores humanos controlados por un aterrador jinete enmascarado.

Después de que Kane no logre impedir la brutal matanza de los Crowthorns, una familia de puritanos que había trabado amistad con él, jura encontrar y liberar a su hija Meredith, a la que han hecho esclava, aunque ello suponga hacer peligrar su propia alma al volver a abrazar su talento para matar, si bien esta vez por una buena causa. Su decidida búsqueda acaba por llevarlo a afrontar algunos de los mortales secretos de su propia familia, mientras intenta salvar a Meredith y a toda Inglaterra de las fuerzas del mal. [Vía]

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Las películas nominadas están encabezadas por Los mundos de Coraline de Henry Selick con diez candidaturas seguida por Up de Pete Docter con nueve y Tiana y el Sapo de John Musker y Ron Clements con ocho.

Al premio al mejor largometraje de animación, aspiran también Lluvia de albondigas, Fantastic Mr. Fox y The Secret of Kells. Por su parte, los cortometrajes nominados son Pups of Liberty, Robot Chicken: Star Wars 2.5, The Rooster, The Crocodile and The Night Sky, The Story of Walls y Santa, The Fascist Years de Bill Plympton.

Los premios se entregaran en la gala de los Annie el 6 de Febrero. También se entregará el premio Winsor McCay a Tim Burton, Bruce Timm y Jeffrey Katzenberg.

Os iremos informando sobre algunos de estos cortometrajes en los próximos post, mientras tanto os dejo con Pups Of Liberty, eso si, en versión original. [Vía] + [Vía]

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La lista de los nominados es la siguiente:

- Mejor película:
Lluvia de Albóndigas.
Los Mundos de Coraline.
Fantastic Mr. Fox.
Tiana y el Sapo.
The Secret of Kells.
Up.

- Mejor cortometraje:
Pups of Liberty.
Robot Chicken: Star Wars 2.5.
Santa, The Fascist Years.
The Rooster, the Crocodile and the Night Sky.
The Story of Walls.

- Mejores efectos animados:
Monstruos contra Alienígenas de Scott Cegielski.
9 de Alexander Feigin.
Up de Eric Froemling.
Lluvia de Albóndigas de Tom Kluyskens.
Tiana y el Sapo de James Mansfield.

- Mejor animación de personaje en una película:
Tiana y el Sapo de Andreas Deja.
Tiana y el Sapo de Eric Goldberg.
Los Mundos de Coraline de Travis Knigh.
Up de Daniel Nguyen.
Tiana y el Sapo de Bruce Smith.

- Mejor diseño de personaje en una película:
Up de Daniel López Muñoz.
Los Mundos de Coraline de Shane Prigmore.
Los Mundos de Coraline de Shannon Tindle.

- Mejor dirección:
Wes Anderson por Fantastic Mr. Fox.
Pete Docter por Up.
Christopher Miller y Phil Lord por Lluvia de Albóndigas.
Hayao Miyazaki por Ponyo en el Acantilado.
Henry Selick por Los mundos de Coraline.

- Mejor música:
Bruno Coulais por Los mundos de Coraline.
Michael Giacchino por Up.
Joe Hisaishi por Ponyo en el Acantilado.
John Powell por Ice Age: El Origen de los Dinosaurios.

- Mejor diseño de producción:
Los Mundos de Coraline de Christopher Appelhans.
Tiana y el Sapo de Ian Gooding.
Los Mundos de Coraline de Tadahiro Uesugi.
9 de Christopher Vacher.

- Mejor storyboard:
Astro Boy de Sharon Bridgeman.
Los Mundos de Coraline de Chris Butler.
Up de Ronnie Del Carmen.
Monstruos contra Alienígenas de Tom Owens.
Up de Peter Sohn.

- Mejor doblaje:
Jen Cody- Voz de Charlotte en Tiana y el Sapo.
Dawn French- Voz de Miss Forcible en Los Mundos de Coraline.
Hugh Laurie- Voz de Dr. C0ckroach Ph.D. en Monstruos contra Alienígenas.
John Leguizamo- Voz de Sid en Ice Age: El Origen de los Dinosaurios.
Jennifer Lewis- Voz de Mama Odie en Tiana y el Sapo.

- Mejor guión:
Fantastic Mr. Fox de Wes Anderson y Noah Baumbach.
Up de Pete Docter, Bob Peterson y Tom McCarthy.
Astro Boy de Timothy Hyde Harris y David Bowers.
Lluvia de Albóndigas de Christopher Miller y Phil Lord.

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Recuerdo que me produjo un pasmo saber que Disney se había propuesto realizar un remake de aquella película, siguiendo los patrones del cine actual (F/X sobre la historia y ningún apego al texto original), con alguna modificación hasta en el título, ‘Capitán Nemo: 20.000 leguas de viaje submarino’, por aquello de marcar las distancias.

Además, y el horror iba en aumento, lo iba a dirigir McG, que había entregado ese engendro llamado ‘Terminator Salvation’, y… parece que la Disney ha dado marcha atrás, ha frenado la producción y McG no dirigirá el remake.

Menos mal, parece que hay alguien inteligente en Disney y ha pensado, más bien ha visto la versión de McG de Terminator, que se metían en la boca del lobo. Así que a esperar como avanza el proyecto. Mientras, recuperemos el original de Disney, ese ‘20.000 leguas de viaje submarino’ que dio pie a una de las atracciones más exitosas de sus parques de atracciones.

Por cierto, para mi sorpresa, me enteró que hay una versión muda de ‘20.000 leguas de viaje submarino’, disponible entera en Google Video y que la pongo a continuación por si queréis darle un vistazo. Merece un visionado por la originalidad con la que trataron eso de los viajes submarinos (seguramente haya más adaptaciones de la novela de Julio Verne, pero ésta me llamó la atención). [Vía]

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El siguiente paso ha sido unirse a Illumination Entertainment para realizar una serie de películas de animación y Gru (Despicable me) será la primera de ellas. Illumination Entertainment es un nuevo estudio creado por Chris Meledandri tras abandonar Blue Sky Studios donde fue productor de Horton y de la saga Ice Age. En Gru, también repiten Ken Daurio y Cinco Paul, los guionistas de Horton y el actor Steve Carell que ponía la voz al alcalde de Villaquién.

Gru disfruta con la maldad. Armado con un poderoso arsenal armas y un pequeño ejército de lacayos, derriba a cualquiera que se interponga en su camino. Ahora está planeando el mayor robo de toda la historia, hacerse con la luna, pero se topa con la tremenda testarudez de tres niñas huérfanas.

La película está dirigida por Pierre Coffin, Chris Renaud y Sergio Pablos y la animación se realiza en Francia por Mac Guff. El estreno en España no será hasta el 3 de Septiembre de 2010. [Vía]

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Los mayas, una de las civilizaciones más inteligentes de la historia de la humanidad, no sólo se convirtieron en grandes apasionados en algunos ámbitos científicos como la astronomía, sino que además se permitieron el lujo de leer en las estrellas una serie de profecías bastante intrigantes.

Una de ellas era que en 1999 la humanidad sufriría un cambio y que a partir de entonces tendríamos 13 años para enmendar nuestros errores. Si eso no se produjese la tierra empezaría a cambiar, las temperaturas ascenderían derritiendo los polos y el 21 de diciembre del 2012 a las 11:11 el mundo llegaría a su fin.

Bajo esta curiosa profecía nace 2012 una película de catástrofes naturales que a base de efectos especiales y acción sin límites nos tendrá pegados a la butaca de nuestros cines el próximo fin de semana.

¿Olas gigantes y terremotos devastadores? , habrá que verla.

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Y lo es en doble sentido, por una parte al director danés de origen afgano Manyar I. Parwani no le duelen prendas al entrar en detalles escabrosos y tremebundos de una historia de incesto que hiela la sangre. Y por otro, a la hora de afrontar una narración nada convencional, que acentúa en algunos momentos el estado casi paraoico que sufre la protagonista. A base, eso sí, de colores saturados, cámara inquieta y desenfoques a ritmo de músicas diversas.

Parwani no posee una formación cinematográfica de tipo académico, más bien resulta un autodidacta, lo cual no resultaría más que anecdótico, sino fuera porque posee talento a la hora de plasmar en imágenes un estado psicológico tan traumático como el de la protagonista.

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Para situarnos, ‘When Heaven Falls’ es la adaptación de una historia real en la que una joven descubre que su madre biológica fallece y decide asistir al entierro. Tras varios años sin ver a su familia, no es reconocida y puede investigar y recordar su etapa de niñez en un ambiente al principio no demasiado extraño, pero que vamos descubriendo oscuro y absolutamente descarnado y sobrecogedor. En su viaje desde Copenhague, se trae su trauma no superado, sus temores, sus pesadillas y un estado, por momentos, de auténtico delirio, que evidencia un pasado nada agradable pero que el espectador no descubre completo hasta el desenlace.

El manejo de la intriga mejora y mucho la forma de afrontar esta historia durísima sobre una infancia protagonizada por un incesto silenciado que arrastra a su protagonista a casi una muerte en vida. Si bien es cierto que Parwani, virtuoso con la cámara se deja llevar en exceso por cierto lirismo psicodélico que en ocasiones sobra y no aporta casi nada a la narración. Sin embargo, a pesar de estos momentos más olvidables (junto con algunos detalles innecesarios que hacen más macabro el relato), el resto del metraje mantiene un noble intento de mantener el tono, siempre arriesgado, y en un intento de huir de la narración más convencional, lo cual aporta gran personalidad al trabajo.

Junto a la protagonista, asistimos a cómo las dos hermanas pequeñas (dos niñas) a quienes no conocía, necesitan de su ayuda. Un descubrimiento que termina por descolocarla aún más, de invocar los demonios de un pasado difícil de olvidar que le empujan a buscar un necesario final para poder subsistir.

Lo cierto es que la historia no resulta nada agradable, destila mal rollo conforme va avanzando y, sin embargo, no resulta culpable la cinta, sino el hecho de conocer que aquello que vamos descubriendo fue cierto. Una realidad absolutamente repugnante que deja el cuerpo contraído, pero que viene a suponer un ejercicio de denuncia con una película sobrecogedora, interesante pero que tiene que cargar con unos hechos de los que uno preferiría no haber ni conocido. [Vía]

El film será una mezcla de imagen real y animación, y visto lo visto, vayámonos preparando para una aberración al estilo de la realizada en ‘Scooby Doo’. Para prestar sus voces a Yogui y a su inseparable Boo Boo, se ha pensado en los actores Dan Aykroyd y Justin Timberlake, respectivamente. La temible Anna Faris formará parte del equipo de humanos actores, con lo que ya podemos empezar a temblar, y no precisamente de emoción.

Se espera que el rodaje comienze el próximo mes de diciembre en Nueva Zelanda. Si no tenemos prisa, hombre.

En la película, Angelina Jolie es Evelyn Salt, una agente de la CIA acusada de ser una espía rusa que tiene como objetivo asesinar al Presidente de los Estados Unidos; Evelyn deberá demostrar su inocencia y salvar al Presidente del verdadero enemigo, mientras huye de sus antiguos compañeros. El guión está firmado por Kurt Wimmer y Brian Helgeland, mientras que la dirección ha corrido a cargo de Phillip Noyce (‘Juego de patriotas’, ‘Atrapa el fuego’). Liev Schreiber y Chiwetel Ejiofor acompañan a Jolie en este thriller que tiene pinta de que va a funcionar bien en taquilla. La fecha del estreno es el 23 de julio de 2010.

PD: Durante un tiempo, esto iba a estar protagonizado por Tom Cruise. Lo raro es que nunca se llamó ‘Misión Imposible 4’. [Vía]

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Es cierto que medios nacionales como El País han ofrecido sitio en sus publicaciones para presentar la película, pero seamos sinceros, ¿qué público lee El País? Desde luego no es el público que dedique su tiempo a la animación, y mucho menos público infantil, que aunque no hace falta vindicar que las películas de Hayao Miyazaki no son cosa de niños, “Totoro” es una de esas fábulas de contenido para todos los públicos, y no me refiero a que no necesite censura, sino que hay mensaje para todos.

Es “Totoro” un auténtico oasis entre tanta película de argumento endeble y risa fácil e insustancial. Por esto, me encantaría no tener que leer continuamente los mismos tópicos sobre las películas Ghibli. Lugares comunes tan hirientes como la insistente comparación de Hayao Miyazaki con Walt Disney. No tienen nada que ver, ni personal ni profesionalmente, pero es que además, la influencia del segundo en el primero es una absurdez como la copa de un pino. Los occidentales tenemos la mala costumbre de comparar lo que no es producto propio con lo nuestro, buscando diferencias y semejanzas que nos ayuden a comprender las cosas desde nuestro punto de vista, actividad poco fructífera, por no decir, pérdida de tiempo total.

Miyazaki cuando quiere teñir de “occidentalización” alguna de sus obras, viene, observa, apunta y plasma. No se queda sentado en su tatami comparando, a ver si existe algo japonés con lo que pueda representar lo occidental. Pero “Mi vecino Totoro” es una fábula nipona cien por cien, con contenido a veces indescifrable por nosotros, pero con un mensaje tan universal que poco importan los flecos que quedan sueltos, de hecho, ellos son lo que hacen de la película algo diferente, exótico, cuasi-místico.

En un mundo hostil, en el que existe la pena, la añoranza, la enfermedad, el problema de las distancias, la vida dura en el campo, también se desarrolla la imaginación, y la infancia nos puede regalar amigos extraordinarios que nunca deberíamos perder. Las mismas experiencias son vistas desde diferentes puntos de vista: la inocencia infantil, la incredulidad adolescente, que va perdiendo la espontaneidad pero aún quiere aferrarse a ella, la madurez y la cercanía a la muerte. Como veis hay para todos. Pero además, Miyazaki crea un imaginario de personajes, que aunque inspirados en la mitología japonesa, hoy por hoy, tienen ya una identidad tan definida y forman parte tan profunda de la vida de los japoneses, que han dejado de ser “personajes inspirados en” para convertirse en verdaderos mitos.

Por último, sería casi un desprecio al honorable Miyazaki no hablar sobre el mensaje ecológico de la película. Tema revisado una y otra vez desde diferentes perspectivas por este hombre que al menos puede estar tranquilo, porque dentro de sus posibilidades, ha intentado alertar al mundo de los peligros del abandono y sobreexplotación de la naturaleza. Pero además, lo que le honra, es que el mensaje lo lanza sin dar por sentando que no lo entenderemos, él es consciente del problema y le apena enormemente, pero aún cree en el ser humano y en sus entendederas.  Como buen cineasta, dice las cosas sin explicarlas, él muestra, y en cada detalle deja traslucir su amor por lo que le rodea. No es un detallismo en forma de alarde, de demostración de superioridad técnica, es más bien un detallismo mental, como en las antiguas estampas japonesas, el tiempo dedicado a cada trazo es un tributo a lo que está representando, y por ello, el tiempo y el trabajo empleados son medios de dignificación y de humildad. Qué bella palabra en alguien tan grande como Hayao Miyazaki.

Tras triunfar con la saga de videojuegos Commandos, los responsables de Pyro studios decidieron dar el salto al cine con un proyecto de gran envergadura. Así crearon Ilion animation studios con la intención de crear largometrajes de animación que pudieran distribuirse a nivel mundial. El primero de estos largometrajes es Planet 51 a punto de estrenarse tras 7 años de producción.

Planet 51 se sitúa en un planeta alienigena donde sus verdes habitantes viven en un mundo que es reflejo de la sociedad americana en los años 50. Pero su tranquila existencia se verá alterada por la llegada de Chuck, un astronauta terrestre, que despertará el terror por una invasión de los humanoides. Por suerte, Chuck contará con la ayuda del adolescente Lem y sus amigos para intentar llegar a su nave y volver a la Tierra.

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El punto fuerte de la película es la recreación del miedo a una potencial invasión extraterrestre que existía en EE.UU. durante la guerra fría. Planet 51 rinde un claro homenaje a toda esa época, reflejada en películas y cómics de ciencia ficción, en la paranoia de la sociedad e, incluso, en el nacimiento del movimiento hippie.

Con estos elementos, el film se desarrolla con una trama sencilla cargada de acción y humor que hará las delicias del público infantil y juvenil pero tiene suficientes elementos para que lo disfruten los adultos. En especial, se divertirán con las referencias a películas clásicas como Star Wars, E.T., Alien o Cantando bajo la lluvia.

En general, se nota la aportación del guionista Joe Stillman que repite, con acierto, la formula del éxito de Shrek y Shrek 2. Sólo se le puede reprochar que la personalidad de Chuck, el protagonista, sea demasiado simple en comparación con Lem, su amigo Skiff  o los militares y científicos que le persiguen. Rover, el robot ayudante de Chuck, merece mención aparte. Sin una sola linea de dialogo se convierte en un secundario que protagoniza algunos de los momentos más destacados del film.

En definitiva, Planet 51 viene a demostrar que también es posible hacer animación CG de calidad fuera de los Estados Unidos y aspirar a tener éxito comercial. Sólo cabe esperar que esta película no sea una excepción y cada vez haya más producciones animadas que esten a la altura de las todopoderosas Pixar y Dreamworks. [Vía]

Las películas de Michael Haneke suelen incomodar al espectador en su asiento. Es un realizador al que gusta remover conciencias y, quizás por ello, tiene muchos detractores.

Pero su cine, o su forma de concebirlo, precisamente intenta que reflexionemos, hacer que el espectador no asista impasivo a una historia y se olvide de ella justo al terminar. Y, con ‘La cinta blanca’, Haneke precisamente consigue este propósito. Fiel a su estilo, pero con un madurado y más inspirado resultado, hace un ejercicio inteligente de narración poderosa, para sumergirnos en el germen de la violencia. Tema recurrente, por otra parte, en sus películas.

‘La cinta blanca’ (‘The White Ribbon’) es un viaje a las entrañas del infierno humano, al menos, al gérmen de los peores aspectos de nuestro comportamiento. Haneke, para ello, nos sitúa en el ambiente opresivo y férreo de una pequeña población germana en los albores de la Primera Guerra Mundial. Una localidad protestante, con severas normas sociales y de comportamiento (educación, religión, familia…), que sirve de escenario para unos extraños sucesos, donde los niños tienen el protagonismo, y asisten a estos hechos y sus consecuencias.

Haneke pone la voz narrativa en un hombre mayor que recuerda los sucesos cuando era joven y era el maestro de la comunidad del pueblo. Allí y entonces, las imposiciones de unas reglas severas toman más énfasis con los convulsos episodios que van sucediendo y que rompen el frío discurrir de la cotidianeidad. Una sociedad regida por la religión, por el respeto por los nobles y donde, la educación de los niños, resulta prioritaria.

El realizador de ‘Funny Games’ hace gala de su habitual mirada distante, gélida, pero a la par contundente, sin cede ni un ápice a concesiones ni a pistas acerca de los episodios, cuya intriga va en aumento, pero genera en todo momento desconcierto absoluto. Apoyado en una austera pero brillantísima fotografía en blanco y negro, con ausencia total de partituras en la banda sonora, logra reflejar con rotundidad la asfixiante atmósfera del relato. No resulta un antojo estilístico, sino una forma de articular el lenguaje completamente apropiado a la historia, lo que evoca y que aumenta, si cabe, el aire misterioso que sobrevuela en todo momento.

Una historia la de ‘La cinta blanca’ que conforme avanza va clavando sus dardos envenenados con la verdadera intención. La de hacer al espectador reflexionar sobre el nacimiento del nazismo, que no es sino un ejemplo para comprender de dónde viene la violencia del comportamiento de los adultos. Una exploración a una infancia represiva que germina en todo lo opuesto a lo que se ha intentado, erróneamente, inculcar.

Muy acertado resulta el uso de la mirada de los niños, como paradigma de la inocencia y la pureza (como la cinta blanca a la que alude el título), para transmitir un mensaje, magistralmente articulado y apoyado en unas imágenes subyugantes, austeras, frías pero no exentas de una fuerza brutal, que justifica el ejercicio de estilo.

‘La cinta blanca’ no se digiere pronto. De hecho, su mensaje permanece en la memoria cuando termina le película y cada uno se lleva su conclusión, reflexión al salir de la sala. Porque la historia concluye, pero su esencia perdura. El mejor Haneke, sin duda. [Vía]

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